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ORIGEN: KEITH HARING FOUNDATION AÑO: 2022
Licensed by Artstart, New Yor
VILAC
Diseñado en Francia- Hecho en China
TREBEJOS: BOIS WOOD
REY BLANCO: 64.00 mm
REY NEGRO: 66.00 mm
TABLERO DE MADERA
400.00 x 200.00 x 50.00 mm
OBSEQUIO: CAMILA COELLAR MEDINA
(Adquirido MoMA (New york) - Mayo, 2023)
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Keith Haring Colorful Chess SetExclusivo MoMA: Disfruta de una partida de ajedrez más dinámica con este juego de piezas iconográficas adaptadas de algunas de las obras más queridas del artista de la colección del MoMA Keith Haring. Enfrentando fríos azules y verdes con cálidos rojos y naranjas, el Keith Haring Colorful Chess Set presenta peones hechos con los radiantes bebés de Haring y piezas más grandes hechas con pilas de dos figuras humanas animadas interactuando, todo ello compensado con los característicos contornos negros del artista. Fabricado en madera torneada y lacada por la apreciada firma de juguetes francesa Vilac, el juego incluye una bolsa de tela blanca para guardar las piezas cuando no se usan, con el autorretrato del artista de 1989. El tablero del Keith Haring Colorful Chess Set se dobla por la mitad para guardarlo, caben todas las piezas dentro y se cierra con un pestillo para mantenerlo todo seguro. El tablero abierto mide 0,8h x 16,15w x 16,15 "d y las piezas van de 0,5" (peón) a 2,5" (rey) de alto. La obra de Keith Haring está representada en la colección del MoMA y los diseños de Vilac se presentaron en la exposición Century of the Child: Growing by Design, 1900-2000.(Moma)
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| FOTOGRAFIA: SERGIO COELLAR MIDEROS, PAMPLONA, 24-MAYO-2023 |
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| Keith Haring en 1986 |
Keith Allen Haring (4 de mayo de 1958 - 16 de febrero de 1990) fue un artista estadounidense cuyo arte pop surgió de la subcultura del graffiti de Nueva York en la década de 1980. Sus imágenes animadas "se han convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido". Gran parte de su obra incluye alusiones sexuales que se convirtieron en activismo social al utilizar las imágenes para abogar por el sexo seguro y la concienciación sobre el SIDA. Además de exposiciones individuales en galerías, participó en renombradas exposiciones colectivas nacionales e internacionales, como la documenta de Kassel, la Bienal Whitney de Nueva York, la Bienal de São Paulo y la Bienal de Venecia. El Museo Whitney organizó una retrospectiva de su arte en 1997. La popularidad de Haring creció a partir de sus dibujos espontáneos en el metro de Nueva York: contornos de figuras, perros y otras imágenes estilizadas sobre espacios publicitarios en blanco y negro. Tras obtener el reconocimiento del público, creó coloridos murales a gran escala, muchos de ellos por encargo. Realizó más de 50 obras de arte público entre 1982 y 1989, muchas de ellas creadas voluntariamente para hospitales, guarderías y escuelas. En 1986, abrió la Pop Shop como prolongación de su obra. Su obra posterior transmitió a menudo temas políticos y sociales -anti-crack, anti-apartheid, sexo seguro, homosexualidad y sida- a través de su propia iconografía.Haring murió el 16 de febrero de 1990 a causa del sida. En 2014, fue uno de los homenajeados inaugurales en el Rainbow Honor Walk de San Francisco, un paseo de la fama que destaca a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en sus campos". En 2019, fue uno de los 50 "pioneros, pioneras y héroes" estadounidenses inaugurales incluidos en el Muro de Honor Nacional LGBTQ dentro del Monumento Nacional a Stonewall en el Stonewall Inn de Nueva York.
Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La típica iconografía de sus sencillos dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, bebés gateando, pirámides, televisores, teléfonos y platillos volantes.
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| FOTOGRAFIA: SERGIO COELLAR MIDEROS, PAMPLONA, 24-MAYO-2023 |
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| Mural "Todos juntos podemos parar el sida" (1989), en El Raval de Barcelona. |
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| Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania |
Artistas como Haring buscaban hacer imágenes que fueran accesibles, sencillas y lo suficientemente genéricas para que pudieran ser aceptadas por cualquiera sin intervención crítica.
A Keith Haring también se le encargó construir varias esculturas, una de las cuales fue colocada en un hospital para niños en Long Island. Haring creía que las esculturas debían relacionarse con su entorno: «Pienso que las esculturas públicas deberían funcionar de un modo que trabaje con el lugar donde se encuentran, en vez de simplemente posar, deberían funcionar en armonía con el entorno donde son colocadas». Muchas de sus esculturas fueron hechas con la intención de que la gente pudiera sentarse en ellas, trepar por ellas o usarlas para comer bajo su sombra.
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| Autoretrato1989 |
A pesar de que el contenido «ideológico» dibujado por Haring es premeditado, el proceso creativo es estrictamente intuitivo. No hay un bosquejo, no hay preparación preliminar. Haring empieza y termina sin preparación. Afirmó: «Tú mismo te estás expresando siendo como eres, ya sea con completa exactitud o haciendo desviaciones más humanas… pero seguirá teniendo esa consistencia que es tan consistente como lo eres tú como persona» (wiki)
Quien es Keith Haring
Keith Haring nació el 4 de mayo de 1958 en Reading, Pensilvania, ( Estados Unidos ) y se crió en las cercanías de Kutztown, Pensilvania. Desarrolló un amor por el dibujo a una edad muy temprana, aprendiendo habilidades básicas de caricatura de su padre y de la cultura popular que lo rodeaba, como el Dr. Seuss y Walt Disney.
Después de graduarse de la escuela secundaria en 1976, Haring se inscribió en la Ivy School of Professional Art en Pittsburgh, una escuela de artes comercial. Pronto se dio cuenta de que tenía poco interés en convertirse en un artista gráfico comercial y, después de dos semestres, lo abandonó. Mientras estuvo en Pittsburgh, Haring continuó estudiando y trabajando por su cuenta y en 1978 realizó una exposición individual de su trabajo en el Centro de Artesanía y Artesanía de Pittsburgh ( Estados Unidos).
Más tarde, ese mismo año, Haring se mudó a la ciudad de Nueva York y se inscribió en la Escuela de Artes Visuales (SVA). En Nueva York, Haring encontró una próspera comunidad de arte alternativo que se estaba desarrollando fuera del sistema de galerías y museos, en las calles del centro, los trenes subterráneos y los espacios en clubes y antiguas salas de baile. Aquí se hizo amigo de los compañeros artistas Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat, así como de los músicos, artistas de performance y escritores de graffiti que formaban parte de la creciente comunidad artística. Haring fue arrastrado por la energía y el espíritu de esta escena y comenzó a organizar y participar en exposiciones y actuaciones en el Club 57 y en otros lugares alternativos.
Después de graduarse de la escuela secundaria en 1976, Haring se inscribió en la Ivy School of Professional Art en Pittsburgh, una escuela de artes comercial. Pronto se dio cuenta de que tenía poco interés en convertirse en un artista gráfico comercial y, después de dos semestres, lo abandonó. Mientras estuvo en Pittsburgh, Haring continuó estudiando y trabajando por su cuenta y en 1978 realizó una exposición individual de su trabajo en el Centro de Artesanía y Artesanía de Pittsburgh ( Estados Unidos).
Más tarde, ese mismo año, Haring se mudó a la ciudad de Nueva York y se inscribió en la Escuela de Artes Visuales (SVA). En Nueva York, Haring encontró una próspera comunidad de arte alternativo que se estaba desarrollando fuera del sistema de galerías y museos, en las calles del centro, los trenes subterráneos y los espacios en clubes y antiguas salas de baile. Aquí se hizo amigo de los compañeros artistas Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat, así como de los músicos, artistas de performance y escritores de graffiti que formaban parte de la creciente comunidad artística. Haring fue arrastrado por la energía y el espíritu de esta escena y comenzó a organizar y participar en exposiciones y actuaciones en el Club 57 y en otros lugares alternativos.
Además de sentirse impresionado por la innovación y la energía de sus contemporáneos, el keith artista también se inspiró en el trabajo de Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, William Burroughs, Brion Gysin y el manifiesto de Robert Henri, El espíritu del arte, que afirmaba la independencia fundamental del artista. Con estas influencias, Haring pudo impulsar sus propios impulsos juveniles hacia un tipo singular de expresión gráfica basada en la primacía de la línea. También atraído por la naturaleza pública y participativa de la obra de Christo, en particular Running Fence , y por la fusión única de arte y vida de Andy Warhol, Haring estaba decidido a dedicar su carrera a crear un arte verdaderamente público.
Como estudiante de SVA, Haring experimentó con el vídeo, la instalación y el collage, manteniendo siempre un fuerte compromiso con el dibujo. En 1980, Haring encontró un medio altamente efectivo que le permitió comunicarse con la audiencia más amplia que deseaba, cuando descubrió los paneles publicitarios no utilizados cubiertos con papel negro mate en una estación de metro. Comenzó a crear dibujos en tiza blanca sobre estos paneles en el metro. Entre 1980 y 1985, Haring produjo cientos de estos dibujos públicos en líneas rítmicas rápidas, a veces creando hasta cuarenta «dibujos de metro» en un día.
Entre 1980 y 1989, Haring obtuvo reconocimiento internacional y participó en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Su primera exposición individual en Nueva York se llevó a cabo en el Westbeth Painters Space en 1981. En 1982, hizo su debut en la galería de Soho. Durante este período, también participó en reconocidas exposiciones internacionales como Documenta 7 en Kassel; la Bienal de São Paulo; y la Bienal de Whitney. Haring también completó numerosos proyectos públicos en la primera mitad de los años 80, que van desde una animación para el Spectacolor. Diseñó sets y fondos para teatros y clubes, desarrolló diseños de relojes para Swatch y una campaña publicitaria para Absolut vodka; y además creó murales por todo el mundo.
En abril de 1986, Haring abrió Pop Shop, una tienda minorista en Soho que vendía camisetas, juguetes, carteles, botones e imanes con sus imágenes. Haring consideró que la tienda era una extensión de su trabajo y pintó todo el interior de la tienda de blanco y negro, creando un entorno minorista sorprendente y único. El objetivo de la tienda era permitir a las personas un mayor acceso a su trabajo, que ahora estaba disponible para productos a un bajo costo. La tienda recibió muchas críticas, sin embargo, Haring siguió comprometido con su deseo de hacer que sus obras de arte estuvieran disponibles para una audiencia lo más amplia posible, y recibió un fuerte apoyo para su proyecto por parte de amigos, fanáticos y mentores, incluido Andy Warhol.
A lo largo de su carrera, Haring dedicó gran parte de su tiempo a las obras públicas, que a menudo transmitían mensajes sociales. Produjo más de 50 obras de arte públicas entre 1982 y 1989, en decenas de ciudades de todo el mundo, muchas de las cuales se crearon para organizaciones benéficas, hospitales, guarderías infantiles y orfanatos. El ahora famoso Crack is WackEl mural de 1986 se ha convertido en un hito a lo largo de FDR Drive de Nueva York. Otros proyectos incluyen; un mural creado para el centenario de la Estatua de la Libertad en 1986, en el que Haring trabajó con 900 niños; un mural en el exterior del Hospital de Niños Necker en París, Francia en 1987; y un mural pintado en el lado occidental del muro de Berlín tres años antes de su caída. Haring también organizó talleres de dibujo para niños en escuelas y museos de Nueva York, Ámsterdam, Londres, Tokio y Burdeos, y produjo imágenes para muchos programas de alfabetización y otras campañas de servicio público.
Haring fue diagnosticado con SIDA en 1988. En 1989, estableció la Fundación Keith Haring, cuyo mandato era proporcionar fondos e imágenes a organizaciones para la lucha contra el SIDA y programas infantiles.
Durante una breve pero intensa carrera que abarcó la década de 1980, el trabajo de Haring se presentó en más de 100 exposiciones individuales y colectivas. Solo en 1986, fue objeto de más de 40 artículos de periódicos y revistas. Fue muy solicitado para participar en proyectos de colaboración, y trabajó con artistas tan diversos como Madonna, Grace Jones, Bill T. Jones, William Burroughs, Timothy Leary, Jenny Holzer, Yoko Ono y Andy Warhol.
Al expresar los conceptos universales de nacimiento, muerte, amor, sexo y guerra, utilizando una primacía de líneas y un mensaje directo, Haring pudo atraer a una amplia audiencia y asegurar la accesibilidad y el poder de permanencia de sus imágenes, que se ha convertido en universales.
Como estudiante de SVA, Haring experimentó con el vídeo, la instalación y el collage, manteniendo siempre un fuerte compromiso con el dibujo. En 1980, Haring encontró un medio altamente efectivo que le permitió comunicarse con la audiencia más amplia que deseaba, cuando descubrió los paneles publicitarios no utilizados cubiertos con papel negro mate en una estación de metro. Comenzó a crear dibujos en tiza blanca sobre estos paneles en el metro. Entre 1980 y 1985, Haring produjo cientos de estos dibujos públicos en líneas rítmicas rápidas, a veces creando hasta cuarenta «dibujos de metro» en un día.
Entre 1980 y 1989, Haring obtuvo reconocimiento internacional y participó en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Su primera exposición individual en Nueva York se llevó a cabo en el Westbeth Painters Space en 1981. En 1982, hizo su debut en la galería de Soho. Durante este período, también participó en reconocidas exposiciones internacionales como Documenta 7 en Kassel; la Bienal de São Paulo; y la Bienal de Whitney. Haring también completó numerosos proyectos públicos en la primera mitad de los años 80, que van desde una animación para el Spectacolor. Diseñó sets y fondos para teatros y clubes, desarrolló diseños de relojes para Swatch y una campaña publicitaria para Absolut vodka; y además creó murales por todo el mundo.
En abril de 1986, Haring abrió Pop Shop, una tienda minorista en Soho que vendía camisetas, juguetes, carteles, botones e imanes con sus imágenes. Haring consideró que la tienda era una extensión de su trabajo y pintó todo el interior de la tienda de blanco y negro, creando un entorno minorista sorprendente y único. El objetivo de la tienda era permitir a las personas un mayor acceso a su trabajo, que ahora estaba disponible para productos a un bajo costo. La tienda recibió muchas críticas, sin embargo, Haring siguió comprometido con su deseo de hacer que sus obras de arte estuvieran disponibles para una audiencia lo más amplia posible, y recibió un fuerte apoyo para su proyecto por parte de amigos, fanáticos y mentores, incluido Andy Warhol.
A lo largo de su carrera, Haring dedicó gran parte de su tiempo a las obras públicas, que a menudo transmitían mensajes sociales. Produjo más de 50 obras de arte públicas entre 1982 y 1989, en decenas de ciudades de todo el mundo, muchas de las cuales se crearon para organizaciones benéficas, hospitales, guarderías infantiles y orfanatos. El ahora famoso Crack is WackEl mural de 1986 se ha convertido en un hito a lo largo de FDR Drive de Nueva York. Otros proyectos incluyen; un mural creado para el centenario de la Estatua de la Libertad en 1986, en el que Haring trabajó con 900 niños; un mural en el exterior del Hospital de Niños Necker en París, Francia en 1987; y un mural pintado en el lado occidental del muro de Berlín tres años antes de su caída. Haring también organizó talleres de dibujo para niños en escuelas y museos de Nueva York, Ámsterdam, Londres, Tokio y Burdeos, y produjo imágenes para muchos programas de alfabetización y otras campañas de servicio público.
Haring fue diagnosticado con SIDA en 1988. En 1989, estableció la Fundación Keith Haring, cuyo mandato era proporcionar fondos e imágenes a organizaciones para la lucha contra el SIDA y programas infantiles.
Durante una breve pero intensa carrera que abarcó la década de 1980, el trabajo de Haring se presentó en más de 100 exposiciones individuales y colectivas. Solo en 1986, fue objeto de más de 40 artículos de periódicos y revistas. Fue muy solicitado para participar en proyectos de colaboración, y trabajó con artistas tan diversos como Madonna, Grace Jones, Bill T. Jones, William Burroughs, Timothy Leary, Jenny Holzer, Yoko Ono y Andy Warhol.
Al expresar los conceptos universales de nacimiento, muerte, amor, sexo y guerra, utilizando una primacía de líneas y un mensaje directo, Haring pudo atraer a una amplia audiencia y asegurar la accesibilidad y el poder de permanencia de sus imágenes, que se ha convertido en universales.
Keith Haring murió de complicaciones relacionadas con el SIDA a la edad de 31 años el 16 de febrero de 1990. El 4 de mayo de 1990 se celebró una ceremonia conmemorativa en la Catedral de St. John the Divine en la ciudad de Nueva York, con más de 1,000 personas presentes.
Desde su muerte, Haring ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales. El trabajo de Keith Haring se puede ver hoy en las exposiciones y colecciones de los principales museos de todo el mundo.
Desde su muerte, Haring ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales. El trabajo de Keith Haring se puede ver hoy en las exposiciones y colecciones de los principales museos de todo el mundo.
Keith Haring: Arte y ajedrez para todos
20 de mayo de 2021
-Brittany Jasin
Keith Haring hacía arte como si se le acabara el tiempo. Su pasión, optimismo y la ética de trabajo que exhibió a lo largo de su arte y de su vida son inspiradores. Aunque su carrera fue corta, su obra sigue cautivando a las nuevas generaciones. Parte del atractivo universal de la obra de Haring ha sido su accesibilidad. Cualquiera puede toparse con una obra de Keith Haring, ya sea en una camiseta del centro comercial o en una gran galería de arte. El arte de Keith Haring es para todos.
Uno de los lugares donde se puede contemplar una impresionante colección de la obra de Haring, que abarca toda su vida, es la actual exposición Keith Haring: Radiant Gambit en el World Chess Hall of Fame. En esta exposición de dos plantas se puede contemplar una amplia gama de obras. Figuras danzantes, colores brillantes y líneas atrevidas están por todas partes. También se pueden ver magníficas fotografías que dan una idea del apogeo de su carrera.
(Ver el texto completo del artículo en: https://worldchesshof.org/blog/2021/05/20/keith-haring-art-and-chess-everyone )
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| Vilac lleva más de 100 años fabricando juguetes de madera atemporales, únicos y encantadores con los que sueñan todas las generaciones. Calidad, creatividad, estética y belleza de líneas y materiales son parte de la tradición y saber hacer de Vilac para ofrecerle siempre lo mejor. Vilac se renueva cada año con nuevas creaciones, reinventa los juegos de siempre adaptándolos a los gustos actuales. Hoy, Vilac ofrece cientos de juguetes y juegos, que van desde juguetes de aprendizaje temprano, juegos de imitación, juegos de mesa, juegos educativos hasta objetos decorativos. A los juguetes Vilac no les falta color y originalidad. Imaginación, observación y reflexión mientras te diviertes con los juguetes de madera de Vilac. Vilac idea sus juguetes en la región francesa de Jura |
La historia de la actual Vilac empieza en 1911, en la capital francesa del juguete, Moirans-en-Montagne cuando Narcisse Villet crea un pequeño taller de torneado artesanal llamado "Maison Villet".
En 1951, los hijos de Villet se hacen cargo del pequeño taller, que tenía ya por entonces una extraordinaria reputación. Crean las tiendas “Villet Frères” y en 1979 se convierte en Vilac, la contracción de las palabras Villet y Laca, el producto con el que colorean sus juguetes.
En 1985, Vilac es comprada por Hervé Halgand, que mantiene la tradición de los juguetes de madera torneados y lacados, y que sigue desarrollándose aún hoy en día, preservando su cultura y sus tradiciones.
10 años más tarde, la empresa crece añadiendo la marca Petitcollin, la última y más antigua fábrica de muñecas y bebés de Francia.
En 2007, Vilac obtuvo el sello Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) y la etiqueta Know-How del Parque Natural de la región de Haut-Jura.
En 2012, Vilac y Petitcollin fueron adquiridas por el grupo France Cartes, grupo al que ya pertenece la marca JeuJura.
En 2014, Laurent Weisbuch vende el negocio de juegos de cartas a Cartamundi, para quedarse con Vilac, JeuJura y Petitcollin.
En
el corazón del Jura, entre montañas, lagos y bosques, entre Champagnole y
Saint-Claude, Vilac sigue creando juguetes de madera en Moirans-en-Montagne,
como desde hace más de cien años.
Juguetes atemporales y únicos, que siguen haciendo soñar a generación tras
generación. (vilac)
